metal progressif

Shaolin Death Squad: Five Deadly Venoms

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Pour cette première chronique musicale de 2011, Shaolin Death Squad place la barre très haut avec ce Five Deadly Venoms. Album inspiré par le film-culte éponyme du répertoire hongkongais, le métal progressif du groupe texan – fidèle également à son nom – donne dans le nawak acrobatique et spectaculaire typique des films d’arts martiaux de l’époque (1978).

Au reste, on ne sait pas très bien s’il s’agit de métal progressif très progressif ou de rock progressif tirant (des shurikens) sur le métal. Les changements d’ambiance sont multiples, parfois au sein d’un même morceau – sans d’ailleurs que l’album perde pour autant de sa cohérence. Là encore, le parallèle avec le cinéma de Hong Kong est facile à faire.

Du coup, la musique de ce Five Deadly Venoms est souvent très visuelle, comme les cinq premiers venins mortels que sont “Centipede”, “Snake”, “Scorpion”, “Lizard” (mon préféré, malgré une intro mollassonne – sans doute pour tromper l’ennemi) et “Toad”, suivi par l’instrumental délirant “Mischief and Epiphany” ou “Let Us Welcome the Actors” façon musique de cirque. Ça rappelle franchement le petit dernier d’Oceansize, le côté déconstruit en moins.

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Sam Smith: Seven

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Ma découverte de Seven, album solo du français Sam Smith, est à mettre au crédit du salon POP’up: c’était un des rares stands musicaux du salon et bon, quand on me parle de projets métal un tant soit peu expérimentaux, j’ai tendance à acheter d’abord et à réfléchir après (note aux spammeurs: ça marche mieux en face-à-face).

Le concept de Seven, c’est sept morceaux de métal instrumental de très haut vol, enregistrés en sept jours; je ne me souviens plus, mais il est bien possible que le CD m’ait aussi coûté sept euros; dans tous les cas, il est disponible en téléchargement pour cinq euros et, franchement, ce serait dommage de s’en priver.

Sam Smith revendique comme influence Dream Theater et Steve Vai et ça se sent: son métal est très, très technique, et fricote allègrement avec le métal progressif. Il faut écouter l’énorme “Loss of Balance” ou “One Hope” pour se convaincre que l’animal a un gros potentiel, pas seulement technique mais aussi pour ce qui est des compositions.

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Audrey Horne

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Je profite de la sortie du troisième et éponyme album d’Audrey Horne pour vous causer de ce groupe norvégien qui, s’il compte parmi ses membres un certain nombre de pointures du black métal (Enslaved, notamment), propose une musique qui s’apparente plus au hard-rock, au métal mélodique et même à des éléments de rock progressif.

Agnost Dei: Take a Look 2010 AD

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Quelque part, en Russie, le groupe de métal progressif Agnost Dei a dû se dire, au moment d’enregistrer son nouvel album Take A Look 2010 AD, “tiens, il y a un Suisse qui parle de nous. Si on lui faisait un album qui appuierait sur tous ses boutons? Du métal progressif très technique avec des accents drum-n-bass et des tendances vers le métal symphonique, par exemple.”

Bon, il est possible que je me fasse des idées, mais force est de constater qu’en la matière, Take A Look 2010 AD, qui reprend le Tree of Life que j’avais précédemment chroniqué, appuie effectivement sur un peu tous mes boutons en matière de métal progressif. Le défaut est qu’il appuie un peu à la façon russe: ça a toute la délicatesse d’une manœuvre de division blindée dans les steppes; en d’autres termes, Agnost Dei en fait un peu trop.

Ça commence avec “Take A Look”, petite intro instrumentale à “… into my Soul”, deux morceaux qui partent franchement dans tous les sens: violons, rythmique technoïde, décrochages multiples. Théoriquement, une excellente entrée en matière, mais qui en fait a la défaut de mettre en place un peu tous les problèmes d’Agnost Dei: en résumé, ils en font des tonnes. Leurs morceaux sont souvent d’une complexité telle qu’ils en deviennent presque impossible à suivre et, du coup, à apprécier.

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Animals As Leaders

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Il est rare que des recommandations musicales m’arrivent du forum rôliste Antonio Bay, mais, dans ce cas, ce premier album éponyme du groupe américain Animals As Leaders déniché par Sevoth est une trouvaille de premier choix.

Formée autour du prodigieux guitariste Tosin Abasi, cette formation produit un métal progressif instrumental très technique qui époustoufle par sa virtuosité. Ses deux collègues, Javier Reyes (guitare) et Navene Koperweis (batterie) sont loins d’être des manches, non plus.

Commencez donc – comme je l’ai fait – par mater la vidéo de “CAFO” sur leur site mySpace et vous allez comprendre ce que je veux dire. Allez-y, je vous attends; n’oubliez pas vos dents en revenant.

Animal As Leaders, c’est un métal extrême, comparable en cela à des groupes du genre Spiral Architect ou d’autres abominations du genre, mais en beaucoup plus abordable pour l’oreille humaine non entraînée. Ça part beaucoup moins dans tous les sens, c’est une folie contrôlée, avec méthode.

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Star One: Victims of the Modern Age

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Le métal cinématographique de Star One revient, avec Victims of the Modern Age, et on est content. Pas beaucoup plus, mais content quand même.

Star One est un des quarante-sept (au moins) projets d’Arjen Anthony Lucassen, compositeur-instrumentiste déjà présent dans Ayreon ou Guilt Machine. Musicalement, c’est du métal symphonico-progressif sympathique, mais un chouïa pompeux et pas toujours très inspiré.

Le concept central de Star One, c’est de composer des morceaux inspirés de classique du cinéma de science-fiction. Le premier opus était solide (paru en 2002), avec des chansons inspirées de Dune, Star Trek ou Stargate; Victims of the Modern Age part sur un thème plus sombre, le post-apocalyptique. Les inspirations sont à piocher du côté de Matrix, Serenity, 12 Monkeys ou Terminator; reste à deviner en quoi Serenity (pour donner un nom au hasard) est du post-apo, mais c’est une autre histoire.

Musicalement, il ne faut pas s’attendre à une révolution: ceux qui connaissent le premier album sont en terrain connu et même archibalisé, les autres vont trouver dans Victims of the Modern Age le métal progressif symphonique typique des productions de Lucassen. Il y a peut-être huit ans entre les deux albums, mais les différences de style sont académiques.

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Be’lakor : Stone’s Reach

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Stone’s Reach est le dernier album en date (2009) du groupe Be’lakor, qui pour une fois ne vient pas de l’habituelle Scandinavie, mais d’Australie. Vous allez rire : c’est encore un groupe de death-metal. Ça commence à devenir pathologique et j’en blâme une nouvelle fois La Citadelle pour m’exposer à ce genre de musique. Qui plus est, c’est un groupe de rôlistes, puisque son nom est inspiré en droite ligne de l’univers de Warhammer.

Musicalement, je vous rassure tout de suite : on reste dans la lignée des groupes que j’écoute dans ce style. Le métal de Be’lakor est très mélodique – enfin, aussi mélodique que faire se peut sans devoir rendre sa licence de death-metal : on a quand même droit à la grosse voix qui growle, à la rythmique plombée et aux gros riffs qui poncent.

En contrepoint, on a des compositions très longues (un seul des huit morceaux de Stone’s Reach fait moins de cinq minutes) et très travaillées, rehaussées de claviers et de mélodies de haute volée. Le groupe n’hésite pas d’ailleurs à lancer quelques fausses pistes, comme l’intro faussement paisible de « Venator », première piste de l’album, ou l’instrumental « Husks ».

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Enslaved: Axioma Ethica Odini

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Si ça continue, vous allez croire que je développe un fétichisme musical hautement suspect pour les groupes de black métal norvégiens, puisque j’ai acheté cet Axioma Ethica Odini de Enslaved en même temps que le Dimmu Borgir. Bon, dans ce cas, Enslaved n’est pas un groupe qui m’était inconnu, puisque j’avais déjà chroniqué leur précédent album Vertebrae.

Car, voyez-vous, Enslaved n’est pas n’importe quel groupe de black métal, du genre à beugler cent cinquante-sept fois “Satan!” en quatre minutes sur fond de guitares sursaturées: c’est du black métal progressif. Ce n’est même pas moi qui le dit, c’est Wikipédia (enfin, la version anglaise; la française parle de “black métal viking”, ce qui signifie sans doute hurler “Odin!” à la place de “Satan!”). Ce qui signifie que s’ils vous atomisent les tympans, c’est avec finesse et recherche (qui ne sont pas les noms des deux guitaristes; je précise, on ne sait jamais).

Autant dire que la comparaison avec l’autre groupe norvégien sus-mentionné ne tient pas très longtemps. Ici, foin de grand orchestre symphonique et de dimension épico-grand-guignolesque: Enslaved, c’est serious metal is serious! D’aileurs, dès les premiers morceaux – “Ethica Odini”, “Raidho” – le groupe donne tout de suite le ton: gros riffs et vocaux mi-growlés, mi-hurlés, en alternance avec une voix plus claire.

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Angra: Aqua

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Pour commencer, un aveu: je n’ai jamais été fan d’Angra. C’est pourquoi la sortie d’Aqua, le nouvel album du groupe de métal progressif brésilien, après quatre ans d’absence, ne m’intéressait à priori que par la bande. Mais bon, mes souvenirs datant de Holy Land – c’est-à-dire d’il y a quinze ans – et les premiers échos étant plutôt positifs, je me suis lancé.

Après plusieurs écoutes, mon impression générale peut se traduire par un “mouais” retentissant. “Mouaibof”, même. Si je ne le savais pas et sur la seule base de mes souvenirs, j’aurais pu jurer qu’Aqua était sorti un ou deux ans après (voir avant) Holy Land. Angra me paraît être toujours engoncé dans les mêmes poncifs de power-métal, rehaussés par une louche de prog et quelques pauvres pépites d’une identité musicale brésilienne qui mériterait d’être bien mieux exploitée pour donner une touche de fraîcheur.

C’est là le drame d’Angra – enfin, surtout le mien vis-à-vis du groupe; si ça se trouve, eux le vivent très bien. Je sens bien qu’il y a du potentiel, mais j’ai l’impression qu’il manque au groupe quelque chose comme une vision commune. Ça se ressent également au niveau de la structure de l’album, qui semble sauter régulièrement du coq à l’âne, stylistiquement parlant.

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Autumn Hour: Dethroned

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Dethroned, premier album du groupe américain Autumn Hour, aurait dû me plaire, sauf que non; ce qui nous change du Pendulum précédemment chroniqué, qui n’aurait pas dû me plaire, sauf que si. Car, en théorie, Autumn Hour est un groupe de métal progressif qui tire vers le métal extrême, ce qui n’est pas étonnant, quand on sait qu’un des membres du groupe a également fait partie d’un des précurseurs du genre, Watchtower.

C’est une partie du problème: Watchtower, qui faisait déjà de l’extreme-tech métal dans les années 1980, ne m’a jamais enthousiasmé et je considère son successeur, Spiral Architect, comme étant mon asymptote musicale en la matière: la limite supérieure de ce que je peux supporter dans la catégorie. Comme Autumn Hour hérite d’à peu près les mêmes tendances hystérico-suraigües que son ancêtre, ça commence mal.

La deuxième partie du problème est que cet album n’est absolument pas cohérent. Ce qui est d’autant moins une bonne nouvelle que la page officielle du groupe prétend qu’il s’agit d’un concept-album (su r le thème de la Singularité, rien de moins). On a des bouts qui font certes métal prog, d’autres qui font métal plus classique et des trucs qui font penser à du hard-FM mal dégrossi. À tel point que j’ai presque l’impression d’avoir trois groupes différents sur le même album.

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Oceansize: Self Preserved While the Bodies Float Up

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Avec un peu d’expérience, le mélomane averti peut assez facilement deviner, d’après le titre de l’album, à quel genre il a à faire. Ainsi, le titre du dernier album d’Oceansize, Self Preserved While the Bodies Float Up, a un sérieux côté post-rock/post-métal de par sa longueur et son thème morbide. On peut avoir des surprises, mais, dans le cas présent, ça tombe assez bien; la pochette aide également pas mal.

Si le groupe anglais a reçu de par le passé de multiples étiquettes, allant du rock progressif au post-rock en passant par le space-rock, cet album est à classer aux côtés de groupes comme Isis, avec cependant une musique beaucoup plus recherchée, plus expérimentale, parfois volontairement déconstruite. En clair, faut s’accrocher, mais Self Preserved While the Bodies Float Up en vaut la peine.

L’influence Isis s’entend assez nettement dans le premier morceau, “Part Cardiac” et, dans une moindre mesure, le suivant “SuperImposer”; par la suite, le groupe explore de multiples approches musicales, souvent en même temps dans un seul morceau. “Build Us a Rocket Then…” est un assez bon exemple: il déboule à grande vitesse et part un peu dans tous les sens; si quelqu’un a bel et bien construit une fusée, c’est avec des bouts de machine à coudre soviétique trouvés dans une décharge.

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Kamelot: Poetry for the Poisoned

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Et voilà Kamelot qui déboule avec Poetry for the Poisoned! À l’heure où le groupe américain (et non allemand, comme je l’ai longtemps cru; bon, il y a aussi des bouts de Norvégiens) semble faire beaucoup d’émules dans le genre métal symphonique, ce nouvel album a l’intention de remettre les pendules au milieu du village et mettre le feu à l’heure. Ou quelque chose dans ce goût-là.

Demians: Mute

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Donc, hier, c’était convenu. Aujourd’hui, place à l’audace et à Mute, nouvel album de Demians. Derrière ce nom, un Français du nom de Nicolas Chapel qui a décidé de ne pas faire dans le simple. Déjà, son premier album, Building an Empire (que je pensais avoir chroniqué à l’époque, mais qui a dû disparaître dans les limbes de l’intarweb) était du genre bizarre, entre post-rock dépressif, métal progressif énervé et rock progressif mélancolique à la Porcupine Tree.

Mute est tout cela, mais à la puissance dix. Il y a dans cet album des accents d’Anathema, période A Natural Disaster, dans des morceaux comme “Swing of the Airwaves”, “Hesitation Waltz” et “Feel Alive”. On trouve également des inspirations venues en droites ligne de Devin Townsend (riffs lourds et hurlements), comme le déjà cité “Feel Alive”. Il y a également des périodes plus calmes, atmosphériques, comme “Porcelain” et “Black Over Gold”, qui fait suite aux deux précédents. Mélange d’ambiances, certes, mais beaucoup moins hétérogène qu’il n’y paraît.

Paradoxal, mais envoûtant. Demians ose les mélanges, les influences, les atmosphères – avec un certain brio, d’ailleurs, parce que même si certaines juxtapositions sont surprenantes (l’intro orientalisante d’un très métal “Overhead”), il est rare qu’elles tombent à plat. Je ne serais pas hypocrite (et/ou mesquin) au point de dire que c’est un signe que l’originalité paye toujours, mais dans le cas de Mute, elle paye certainement! Tiens, prenez un morceau comme “Tidal” et son intro quasi-pop, qui semble faire un peu tache au milieu de cet album. Paf! En deux minutes, on ressort les grosses guitares et l’orchestration râpeuse et chaotique. Tout l’album est de cet ordre.

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Division By Zero: Tyranny of Therapy

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La Pologne, l’autre pays du métal. Et du prog. Impressionnant la quantité de groupes de qualité que ce pays est capable de produire. Sur la base de leur premier album Tyranny of Therapy, Division By Zero (leur site MySpace est plus à jour, avec notamment l’annonce d’un nouvel album) est un groupe qui n’a pas à souffrir de la comparaison avec certains de ses compatriotes prestigieux, comme Indukti, Votum ou Riverside.

Tiens, parlons donc un peu de Riverside: il est clair que c’est une des influences majeures du groupe pour ses vocaux clairs (non growlés) et le mélange de mélodies progressives suivies de gros riffs qui tachent (par exemple sur “Your Salvation”). Car Division By Zero, c’est certes du métal progressif, mais c’est nettement plus métal que prog, et même très très technique, parfois à la limite de l’expérimental façon Spiral Architect.

On peut aussi citer Evergrey et Opeth dans les influences, mais ce qui impressionne chez Division By Zero, c’est comment ses influences somme toute très diverses se mélangent pour donner une nouvelle sauce qui n’hésite pas à passer abruptement d’une ambiance à l’autre avec une virtuosité qui donne un peu le tournis.

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Neverland: Ophidia

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Avec sa pochette très style-genre et son nom à rallonge, l’album Ophidia de Neverland (ou, plus officiellement, “Dreamtone & Iris Mavraki’s Neverland”) est bien plus intéressant qu’il n’y paraît de prime abord. Ne serait-ce que parce qu’il s’agit d’un groupe turco-grec, né de la rencontre entre le groupe de power-métal turc Dreamtone et Iris Mavraki, chanteuse grecque, et que le groupe a bénéficié sur ses deux albums de la complicité de grands noms du genre, comme Tom Englund (Evergrey), Mike Baker (Shadow Gallery) ou Jon Oliva (Savatage).

Du coup, le style du groupe a glissé du power-métal vers un métal plus symphonique et lorgnant sur le progressif. Dans l’absolu, c’est un style qui rappelle beaucoup Sonata Arctica, Kamelot ou Symphony X: une musique qui allie puissance, rapidité, technique, mélodie et beaucoup, beaucoup d’emphase. C’est du métal à grand spectacle, comme peuvent en témoigner des morceaux comme “Ophidia”, “The Invisible War” ou l’instrumental “Into the Horizon” qui conclut l’album.

Même si le style général n’est pas follement original, il y a beaucoup de variété dans cette album, sans pour autant qu’il paraisse décousu. Tout n’est pas parfait non plus et on sent parfois que, si le groupe essaye de faire autre chose que des mélodies quelque peu c0nvenues, c’est tout de suite beaucoup moins maîtrisé. Notamment certaines parties chantées un peu acrobatiques sonnent comme improvisées et tombent à plat. Cela dit, c’est le genre de pinaillage que je ne m’autorise que parce que si je ne dis pas un peu de mal d’un album, je me donne l’impression de m’assagir avec l’âge.

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Agnost Dei: Tree of Life

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Mini-billet pour attirer votre attention sur Tree of Life, un mini-album – en fait, une sorte d’échantillon gratuit, disponible sur le site du groupe (en passant hélas par le fort pénible site de téléchargement Rapidshare) – du groupe russe de métal progressif Agnost Dei. En un peu moins de vingt minutes, le groupe fait là une …

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From First to Last: Throne to the Wolves

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Ça fait un petit moment que Throne to the Wolves, des Américains de From First to Last, tourne dans ma playlist; il est donc temps que je vous en parle, parce que franchement, dans le genre musique de djeunz qui dépote, c’est pas mal du tout. Classé par Wikipédia dans la catégorie “post-hardcore”, la musique de …

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Vanden Plas: The Seraphic Clockwork

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Le moins que l’on puisse dire, c’est que Vanden Plas n’est guère pressé pour sortir ses albums: The Seraphic Clockwork arrive quatre ans après Christ 0, qui lui-même succédait à Beyond Daylight après quatre autres années d’attente. Cela dit, vu la qualité des albums de ce groupe de métal progressif allemand, on aurait tort de se plaindre.

Ce d’autant plus que Vanden Plas n’est pas un de ces énièmes clones de Dream Theater qui hantent le genre. D’une part, il a ses racines plus profondément ancrées dans un métal mélodique ou symphonique à la Kamelot et, d’autre part, la voix très reconnaissable d’Andy Kuntz peaufine son identité.

Dans ce Seraphic Clockwork, les deux éléments sont clairement présents pour donner à l’album un caractère immédiatement reconnaissable. Bon, la mauvaise nouvelle, c’est que ça veut dire que Vanden Plas fait du Vanden Plas, mais comme ils sortent un album tous les trois ou quatre ans, c’est moins gênant que pour les groupes-pondeuses qui sortent une galette par an.

Concept album (il me semble d’ailleurs que Vanden Plas ne fait que cela) sur un Chrétien du XVIe siècle qui se retrouve à Jérusalem à l’époque supposée de la mort du Christ, The Seraphic Clockwork remplit son cahier des charges sans faute: on retrouve un thème musical tout au long de l’album, ainsi que des intonations médiévisantes ou orientales, le tout dans contexte général de métal progressif bien travaillé avec des vocaux très présents.

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Freeson Rock, du prog à Montréal

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Cet article est le numéro 6 d'une série de 7 intitulée Québec 2010

Il semble que le Québec ait une scène métal, prog et prog-métal assez active: mis à part les affiches des festivals d’été à pleurer (en vrac: Rammstein, Rush, Dream Theater, Roger Hodgson et Steve Hackett à Montréal en juillet), j’ai trouvé – complètement par hasard – une boutique de disque spécialisée prog et métal. Il …

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